Carla Bruni: 'Tout le monde'

La señora del presidente de la República Francesa es un curioso y atractivo cruce entre la Juliette Greco de los años 50 y la Françoise Hardy de los años 60 pero con hechuras de 'top model' y una voz pequeñita, ronca y sensual que quizas nadie habría grabado de no ser ella la portadora. "Haría falta que todo el mundo reclame de las autoridades/ una ley contra toda nuestra indiferencia/ y que nadie sea olvidado", dice en la letra de esta canción. Muy adecuado para el díoa de los Santos Inocentes. Y digo yo que ahora nadie puede reclamar nada "de las autoridades" mejor que ella.

Charles Aznavour: 'Ils sont tombés' (el genocidio armenio)

Charles Aznavour nació en París en 1924, hijo de expatriados armenios. Su nombre real es Shahnur Aznavuryan y nunca olvidó sus orígenes ni ignoró los traumas de sus gentes. En 1975 escribió esta estrenecedora canción evocando el genocidio de 1.200.000 armenios a manos de los turcos sesenta años antes, durante la I Guerra Mundial. Recientemente el Parlamento francés ha aprobado declarar delito la negación del genocidio armenio, lo que ha creado una grave crisis diplomática con Turquía, que siempre ha negado las matanzas de armenios y a su vez acusa de Francia de de haber aplicado una política genocida en Argelia.

Traducción de una estrofa de la canción: "Nadie alzó la voz en un mundo eufórico/ mientras se pudría un pueblo en su sangre. / Europa descubría el jazz y su música,/ los lamentos de trompetas cubrían los gritos de los niños./ Cayeron púdicamente, sin ruido,/ por millares, por millones, sin que el mundo se moviera,/ convirtiéndose un instante en minúsculas flores rojas,/ recubiertas por un viento de arena y después de olvido".

Eva Cassidy; 'Time after time'

Es casi doloroso escuchar la bella y sensitiva voz de Eva Cassidy y recordar que murió a los 33 años, a causa de un cáncer de piel, sin alcanzar el éxito que sin duda merecía. Inasequible a las tentativas discográficas de convertirla en una 'estrella a medida' del 'pop', cuando falleció en 1996 ya era una figura reconocida y respetada en su fidelidad indeclinable a las buenas canciones y a la sensibilidad de buena ley. Hoy es una artista de culto y ha alcanzado el éxito gracias a las sucesivas ediciones de sus canciones (la última, este año, 'Simply Eva'), alcanzando en cinco ocasiones el número uno en las listas de Reino Unido en cinco ocasiones desde 1998.

Richard Bona y Raúl Midón, almas gemelas

Cuando se juntan dos talentos únicos, de fuerte personalidad musical y raices plurales, el resultado es un gran placer para quienes tienen la oportunidad de disfrutarlo, como me ocurrió a mí anoche con este concierto del 'Duala Malambo Project' difundido por el canal 'Mezzo' y que hoy he encontrado íntegro en 'Youtube'. Ya admiraba separadamente a Raúl Midón y a Richard Bona, pero nunca los había imaginado juntos. Y sin embargo es una unión lógica. Como dice Bona, "somos almas gemelas". A la pasión común por la música se une un complejo mundo de influencias y referencias que tienen como elemento común a Àfrica, donde nació Bona y tiene su origen la madre de Midón, cuyo padre fue un bailarín argentino. Para los buenos músicos no hay fronteras culturales y menos cuando, como cree Bona, debajo de toda la música, venga de donde venga, está el blues.

Duala es la lengua y la tribu nativa del camerunés Richard Bona y el malambo es una danza folklórica argentina, que bailaba el padre de Midón, quien desde niño le inició en la percusión, hoy muy presente en su forma singular de tocar la guitarra. De ahí el nombre del proyecto que les ha unido. Midón es ciego como consecuencia de una imprudencia del hospital en el que nació. Ambos músicos querían grabar juntos un disco tras la gira. Esperemos que encuentren el tiempo para hacerlo.

 

Anita O'Day: 'Sweet Georgia Brown'

Casi todo el mundo la olvida a la hora de citar a las grandes cantantes femeninas de jazz, pero Anita O'Day fue en su día una figura carismática y muy admirada, casi a la altura de Ella Fitzgerald o Frank Sinatra. Hay incluso quien la señala como una precursora del bebop por su forma de cantar y aplicar el 'scat'. En cualquier caso merece la pena recordarla.

Scott Walker: La renuncia al éxito por el arte

El compositor y cantante Scott Walker es una 'rara avis' del 'show bizz', del que se distanció en pleno éxito para buscarse como artista huyendo de las consecuencias de la fama, que nunca soportó. Íntimo y discreto hasta rozar la misantropía, su introversión le condujo por caminos inéditos, ensayando incluso un tono casi operístico, adecuado para su gran voz, y cierto experimentalismo musical en gran medida incomprendidos. Hoy se compara irónicamente a sí mismo con Orson Welles, alguien con el que todo el mundo quería comer y reunirse, pero cuyos empeños nadie estaba dispuesto a financiar. Por algún motivo que no quiere explicar ya no canta. Precisamente ahora, cuando, convertido en personaje de culto por sus méritos innegables y su singular trayectoria, podría lograr la audiencia que no alcanzaron sus aventuras artísticas durante las últimas décadas.

Estadounidense de nacimiento, vive en Reino Unido desde los años 60 y se identifica más con la cultura europea que con la de su país. Lector de Sartre y Camus, quedó deslumbrado por las canciones e interpretaciones de Jacques Brel, del que ha grabado algunas de las canciones más representativas. Su inquietud artística a partir de ahí le llevó cada vez más lejos de la música de consumo

The old man's back again


'The old man's back again' apareció en su álbum 'Scott 4'. "Veo un soldado, en pie bajo la lluvia,/ para él no hay un anciano al que seguir,/ consumido por su dolor,/ confundido por las caras que pasan de largo..."

Jackie (tema de Jacques Brel)


La falta de tiempo me fuerza a limitar la extensión y profundidad de los posts, que en el futuro se alimentarán en gran medida de los temas que cuelgo en mi muro de 'Facebook' con una pequeña introducción que en este blog trataré de ampliar, siempre que me sea posible, como en este caso. Para compensar este déficit trataré de añadir algunos enlaces al tema.
- Información en Wikipedia. 
- Su entrevista más reciente (en inglés).

Moustaki escribe en su retiro

Como algunos ya sabrán Georges Moustaki ha dejado de cantar. Fue en el Palau de Barcelona - una ciudad que él ama especialmente - donde el 8 de enero de 2009 anunció su retirada a causa de una grave enfermedad bronquial que más tarde le pondría al borde de la muerte. Pero un creador genuino como él no abandona nunca. En su apartamento de la Isla de San Luis parisina dibuja, pinta y sobre todo escribe. Así ha visto la luz su libro 'La sagesse du faiseur de chansons', conjunto de recuerdos personales y reflexiones de quien tuvo una vida apasionante.

30 aniversario de Brassens: 'Les passantes'

Ayer se cumplieron 30 años de la muerte de Georges Brassens y yo lo olvidé, pese a que días atrás había tomado nota del aniversario. A instancias del actor Lino Ventura el cantautor interpreta ‘Les Passantes’, cuya letra pertenece a un poeta, Antoine Pol, cuya memoria sólo ha salvado del olvido esta canción. Maxime Le Forestier, presente en el mismo programa de TV y aventajado discípulo del maestro de Sète junto a Georges Moustaki, se suma en algunas estrofas. 

Traducción de la letra:
“Quiero dedicar este poema/ a todas las mujeres que uno ama/ durante algunos instantes secretos;/ a esas que apenas se conoce,/ que un destino diferente arrastra/ y que nunca se vuelven a hallar.
A esa que se ve aparecer/ un segundo en su ventana/ y que presto se desvanece/ pero cuya esbelta silueta/ es tan graciosa y frágil/ que a uno le deja alborozado.
A la compañera de viaje/ cuyos ojos, encantador paisaje,/ hacen parecer corto el camino;/ que uno es el único, quizás, en comprender/ y que se deja sin embargo bajar/ sin haber rozado su mano.
A la fina y flexible bailarina/ que te pareció triste y nerviosa/ una noche de carnaval;/ que quiso quedar desconocida/ y que nunca ha vuelto/ a girar en otro baile.
A esas que ya están tomadas/ y que viviendo horas grises/ junto a un ser demasiado diferente/ te han, inútil locura,/ dejado ver la melancolía/ de un porvenir desesperanzador.
Caras imágenes divisadas, / esperanzas de un día frustradas,/ estaréis mañana en el olvido./ A menos que la felicidad ocurra/ es raro que uno recuerde/ los episodios del camino.
Pero si se ha malgastado la vida/ se piensa con un poco de envidia/ en todos esos goces entrevistos, / en los besos que no se osó tomar,/ en los corazones que deben esperarnos,/ en los ojos que no se han vuelto a ver.
Entonces, en las noches de lasitud,/ totalmente poblada su soledad/ por los fantasmas del recuerdo,/ se lloran los labios ausentes/ de todas esas bellas fugaces/ que no se ha sabido retener.”

 

Joan Baptista Humet: 'Hay que vivir'

Esta canción de Joan Baptista Humet, publicada en 1981, parece una profecía dedicada a los críticos tiempos que vivimos ahora. Humet, en gran medida injustamente olvidado, fue un cantautor con personalidad propia, que, como Serrat, hubo de soportar el estúpido rechazo y el injusto boicot catalanista por cantar en castellano. Abandonó la canción a mediados de los 80 para regresar en 2000. Cuatro años después, a los 54, murió a causa de un cáncer de estómago.

LA LETRA: "Habrá que hacernos a la idea/ que sube la marea/ y esto no da más de sí./ Habrá que darnos por vencidos/ y echarnos al camino/ que no hay nortes por aquí./ Al sueño americano,/ se le han ido las manos/ y ya no tiene nada que ofrecer,/ sólo esperar y ver si cede/ la gran bola de nieve/ que se levanta por doquier.

[Estribillo] ¡Hay que vivir!, amigo mío,/ antes que nada hay que vivir,/ y ya va haciendo frío./ hay que burlar ese futuro/ que empieza a hacerse muro en ti.

Habrá que componer de nuevo/ el pozo y el granero/ y aprender de nuevo a andar./ Hacer del sol nuestro aliado/ pintar el horno ajado/ y volver a respirar./ Quitarle centinelas,/ al parque y a la escuela,/ columpios y sonrisas volarán./ Sentirse libre y suficiente/ al cierzo y al relente,/ mientras se va dorando el pan.

[Estribillo]

Habrá que demoler barreras,/ crear nuevas maneras/ y alzar otra verdad./ Desempolvar viejas creencias/ que hablaban en esencia/ sobre la simplicidad./ Darles a nuestros hijos,/ el credo y el hechizo/ del alba y el rescoldo en el hogar./ Y si aún nos queda algo de tiempo,/ poner la cara al viento/ y aventurarnos a soñar.

[Estribillo y final

Imanol, contra la complicidad del miedo

El cantautor vasco Imanol (1947 - 2004) ejemplifica con su propia biografía el sufimiento de innumerables vascos amantes de su tierra y de su lengua que se sintieron pronto incompatibles, moral y políticamente, con ETA y su deriva de terrorismo enloquecido. Al contario que muchos, que callaron por miedo y por comodidad, Imanol dejó terminantemente claro su rechazo en 1985, tras el asesinato de 'Yoyes'. Boicoteado como artista y amenazado de muerte, en 1989 responde con el acto 'Todos contra el miedo', punto de inflexión que anuncia el fin del silencio general, pero que le obliga a él a abandonar el País Vasco.

Greg Brown, o la brillante supervivencia de la 'folk song'

La música folk se hallaba en plena progresiön de éxito cuando en 1965 su mayor promesa del momento, Bob Dylan, adoptó la guitarra eléctrica para actuar en el Festival de Newport. Los gritos de rechazo de sus seguidores y las reiteradas imprecaciones de 'traidor' no le inmutaron. Dylan quería ser una estrella internacional y había meditado detenidamente su paso al rock. Algo parecía haberse roto en aquel momento en la folk song, cuando el aventajado discípulo de Woody Guthrie, compañero de fatigas de Pete Seeger y Joan Baez, hacía un corte de mangas a su breve pasado de cantante de folk.

'Cept You and Me Babe


"La mitad de la gente que ves estos días está hablando por el móvi,/ alejándose en sus coches y chocando con las puertas./ La gente acostumbraba a pasar bastante tiempo sola, supongo que ya nadie está solo ahora./ Excepto tú y yo, niña. Excepto tú y yo".  

Pero la folk song asumió su pérdida de protagonismo y siguió adelante sin su estrella más prometedora. No prescribe fácilmente algo que está en el ADN de una nación hecha de muchas naciones y dispuesta a salvaguardar las viejas raíces, las músicas y cantos que oyeron desde su infancia, especialmente los que nacieron lejos de las grandes ciudades y de la atracción de ambas costas. Ese es el caso de Gregory Dane Brown (1949), Greg Brown para la música,  un cantautor de folk del medio oeste (Iowa) que se formó y creció en las populares 'hootenannies' (una especie de jam sessions de folk singers), y que ha puesto muy alto el listón con su composiciones, dotadas tanto de aliento poético como de ingenio y criticismo y que repasan a lo largo de una treintena de discos hasta la fecha todo un extenso abanico de sensaciones, sentimientos y experiencias.

Spring wind


"En un encantador río ensuciado/ lancé mi pequeña mosca./ Miré ese río y olí/ y sentí ganas de llorar./ Oh, limpiar nuestro sucio planeta es ahora un noble deseo/ y yo estoy arrimando el hombro a la rueda/ porque quiero pescar algún pez"

A los 18 años su pasión por la música le llevó primero a Nueva York, donde Dylan había iniciado su exitosa carrera, y más tarde a Portland, Los Angeles y Las Vegas, donde fue 'negro' de Buck Ram, mito de la música estadounidense para el que escribió canciones de modo anónimo. Ram era, entre otras cosas, el creador, productor y autor de canciones (o así se cree) de The Platters y su 'colaboración' con él no debió gustar mucho a Brown, que durante algunos años se echó a la carretera con una banda de músicos para abandonar a continuación la música y recuperarla sólo tras regresar a Iowa para componer canciones y actuar en pequeños locales de dentro y fuera del estado. 

Su maestría como autor de canciones ha sido alabada en muchas ocasiones por la crítica y por otros artistas, pero tal vez el mejor elogio es el que le han hecho quienes han escogido algunos de sus temas para su propio repertorio, como Willie Nelson, Carlos Santana, Ani DiFranco, Shawn Colvin, Mary Chapin Carpenter o Joan Baez, entre otros. Sus propias canciones brillan más en sus grabaciones de directo, donde el calor del público saca de Greg Brown lo mejor. Y ello a pesar de que posee su propio sello, Red House Records, que se vuelca fundamentalmente en promocionar a otras figuras emergentes del folk y que ya ha puesto en el mercado más de 200 grabaciones.

Cold & Dark & Wet



"Dime qué se supone que puede hacer un tío/ cuando un coche cuesta lo que antes una casa/ y una casa es una pila de tableros baratos, pintura y deuda./ Estoy en los límites de la ciudad y hace frío, oscuridad y humedad". 

Numerosas nominaciones y premios recuerdan periódicamente a los estadounidenses la talla considerable de este hombre que se reencontró como compositor e intérprete tras conocer y rechazar las 'delicias' del mercado y regresar a su tierra y a sus raíces. Lo que compone y canta suena a sinceridad y comunica emoción y cercanía a un público aún numeroso que se reconoce cultural y emocionalmente en sus historias. Eso es el éxito puro, el que no precisa de la mediación del marketing, ni de la elaboración de videos promocionales carísimos, ni de la 'payola' a las FMs o la 'mordida' a los críticos.

El cuadro no estaría completo sin aludir al lado filantrópico de Greg Brown, centrado de modo especial en causas sociales y medioabientales a las que cede su música para que recauden fondos.

Hillbilly girl


El reconocimiento a este personaje, permanentemente fiel a la folk music y autor de canciones que han renovado y reforzado el género, se ha materializado ya en dos discos de homenaje, tradicional modo en el que los profesionales declaran consagrado e insoslayable a un artista, que, en este caso, lleva 44 años dedicado a la música.

Víctor Manuel: 'Asturias'

Al poner música al poema 'Asturias' Víctor Manuel lo convirtió, seguramente sin pretenderlo, en un himno. Su autor, Pedro Garfias, poeta de la generación del 27 que hubo de exiliarse en México tras la guerra civil, es hoy más conocido a nivel popular como autor de la letra de esta canción-himno que por cualquier otra razón. Fue impulsor de las vanguardias literarias (participó en la redacción del Manifiesto Ultraista) y militante comunista. Murió en México en 1967 y la ciudad de Guadalajara (Jalisco) le dedicó una estatua. La tierra española que él cantó desde la admiración le canta ahora con emoción cada vez que tiene oportunidad.

Cora Vaucaire muere a los 93 años

Cora Vaucaire fue la cantante favorita del poeta Jacques Prévert. Sin duda por ello tembién fue la primera intérprete de la inmortal canción 'Les feuilles mortes', con letra de aquél y música de Pierre Kosma. Apodada en su día 'la dama blanca de Saint Germain des Prés', ha muerto en París a los 93 años de edad. Apenas conocida en España, es una de la figuras mayores  de la canción francesa de más calidad, apoyada en frecuencia, como en este caso, en textos de poetas.

'L'estaca', de Lluis Llach, ¿nació en Polonia?

Es curioso lo sucedido con la canción 'L'Estaca' en Polonia, interpretada aquí por un coro polaco con un arreglo hortera de Jean-Michel Jarre. En los 80 leí que Lluis Llach había tomado la música de su tema más celebrado de una canción popular polaca, cosa sorprendente porque en los créditos figuraba como autor de letra y música. Alguien había oído campanas o hablaba con mala fe. El equívoco no se deshizo hasta que Llach actuó en Polonia y los polacos descubrieron con decepción que, aunque atribuida al cantautor local Jacek Kaczmarski, y convertida en himno no oficial del sindicato 'Solidarnosc' ('Solidaridad), era en realidad obra del cantautor catalán. Kaczmarski habría dejado entender que la canción era suya, pese a que incluso la letra era una adaptación de la de Llach en la que la 'estaca' había sido sustituida por 'los muros'. Para algunos el 'telón de acero' tenía ciertas ventajas. La versión 'original' polaca, aquí.

ZAZ: Un éxito imprevisto y saludablemente 'anormal'

ZAZ (Isabelle Geffroy, Tours, 1-5-1980) ha sido y continúa siendo la gran sensación de la canción francesa desde el verano de 2010. Medio millón de discos vendidos en apenas unos meses, una enorme energía y carisma en las actuaciones en vivo y una voz inconfundible han hecho el milagro de convertir a una desconocida, que se conformaba con cantar casi cualquier cosa y vivir de la música -a veces con apuros-, en una estrella que tiene dificultades para asumir ese papel.

Je veux

Todo empezó con una sola canción, 'Je veux' (1), que es una declaración de principios suscribible por buena parte de los jóvenes conscientes de hoy, atenazados por una realidad inaceptable y conscientes de que el futuro puede ser aún peor. Su autor, el productor Kerredine Soltani, buscaba en 2007 una voz femenina "ronca, un poco rota" a través de Internet e Isabelle fue la respuesta más convincente que halló. Tras escribirle la canción le encontró una sociedad de producción y una editorial, pero ella no buscaba un sueño improbable sino un trabajo 'serio' en la música. De este modo su éxito se aplaza tres años.

Hija de un trabajador y de una profesora de español, Isabelle Geffoy tuvo un contacto precoz con la música al entrar a los cinco años en el conservatorio de Tours, en el que permaneció hasta los once, pero su adolescencia es marcada por la separación de sus padres y el fracaso escolar se hace costumbre. Su pasión por la música, sin embargo, se reafirma y consolida y a los quince años, ya en Burdeos, recibe clases de canto. A los veinte, una beca del Consejo Regional le permitirá acceder al CIAM bordelés.

Les passants

Hasta 2006, año en el que se traslada a París, la futura ZAZ hará sus 'tablas' profesionales con un criterio obligadamente ecléctico. En provincias la fidelidad a un estilo limita las posibilidades de actuar y de vivir de la música. Su debut como cantante lo hace con el grupo de blues 'Fifty fingers', al que seguirá un quinteto de jazz; luego será una de las cuatro cantantes de la orquesta vasca 'Izar adatz' ('Estrella fugaz') de variedades, en la que permanecerá dos años, tras lo cual cantará con el grupo 'Don Diego', que mezcla influencias francesas, españolas, árabes, andaluzas, africanas...

Una vez en París las cosas no serán muy diferentes. Tras un año y medio cantando sin amplificación y con éxito en el cabaré 'Aux trois mailletz' del Barrio Latino y esporádicamente en otros cafés. piano-bares y cabarés, elige el aire libre y se pasa a la orilla derecha del Sena para cantar en las calles de Montmartre, Nace así el calificativo de 'la nueva Piaf' que todavía arrastra infundadamente, pues ni su voz ni su estilo tienen nada que ver con 'la môme', aunque sí el hecho de cantar en la calle e interpretar las canciones del viejo mito.

En las alturas de Montmartre no le va mal. 450 euros es -según su propia confesión- el récord de recaudación en una hora (a repartir normalmente entre tres), aunque lo normal era entre 60 y 90 euros. En cualquier caso, cantar en la calle no está mal con buen tiempo y es rentable en temporada turística alta, pero el otoño y el invierno lo desaconsejan, salvo en caso de extrema necesidad. No tardará en llegar la oportunidad de sumarse a la corriente del rap, colaborando con los 4P y Miliaouech, para unirse después al grupo 'Sweet Air', con el que grabó un disco en vivo que no se ha difiundido. En esa época viaja nada menos que a Vladivostok, en el extremo oriente ruso, invitada por el director de la Alianza Francesa local, que la había escuchado cantar en París.

Prends garde à ta langue

En enero de 2009 gana el concurso 'Le Tremplin Génération France Bleu/Réservoir', que implica la grabación de un disco, pero mientras ésta se sustancia vuelve a Rusia y actúa de nuevo en Vladisvostok, sumando a su 'gira' rusa Nijni Novgorod. Luego acompaña en su gira por Egipto a una bailarina, actúa durante un mes en en el restaurante 'Papagayo' de Casablanca y se desplaza a Japón para participar en el Fuji Rock Festival. De regreso deja oir de nuevo su voz especial en las calles de Montmartre.

El éxito del single 'Je veux' es tan apabullante que sorprende no sólo a ZAZ, sino también a todo el equipo que la rodea. Tras un periplo vertiginoso por diversas localidades y festivales de Francia así como apariciones en Montréal (Canadá) y en varias capitales europeas, su manager decide frenar la vorágine. Cuando creía que, tenía entre manos tan solo una cantante prometedora, ésta se ha transformando en una estrella internacional, que centra la atención del gran público. El problema es que una estrella debe ofrecer un espectáculo estelar y éste no se improvisa. Como consecuencia ZAZ pasa a presentarse en salas pequeñas mientras sus 'vendedores' preparan un envoltorio adecuado al 'producto'.

Lo cierto es que ZAZ no ha parado apenas un momento y que los diversos singles aparecidos de su disco han confirmado el éxito, pese a ofrecer facetas diferentes de su polivalente talento. Es su eclecticismo lo que supone un problema para la esclerotizada industria discográfica, que busca estilos y tendencias musicales muy definidas para hacer su marketing con mayor facilidad. La parte más estreñida y reaccionaria de la crítica también ha abundado en el contenido heterogéneo del primer disco de Isabelle y se ha entretenido en criticar su 'look' y sus posiciones altermundialistas y anticonsumistas.

Eblouie Par La Nuit

Sería triste que la industria lograse empaquetar y etiquetar a una artista natural, inquieta, comunicativa y creíble, que precisamente se siente a gusto en la variedad, tan pronto revisando un tema de Piaf o de Brel como interpretando jazz manouche, groove, canción latina... Zaz es precisamente eso, una artista de amplios gustos y registros interpretativos que puede satisfacer simultáneamente a diversos tipos de público y hacerle conocer una oferta músical a la que suelen permanecer ajenos a causa de los designios del mercado.

(1) Traducción de 'Je veux'
Dadme una suite en el Ritz, ¡yo no la quiero!
Unas joyas de Chanel, ¡yo no las quiero!
Dadme una limusina, ¿qué haría con ella?
Ofrecedme servidumbre, ¿qué haría con ella?
Una mansión en Neuchatel, no es para mí.
Ofrecedme la torre Eiffel, ¿qué haría con ella?


[Estribillo]
Yo quiero el amor, la alegría, el buen humor,
no es vuestro dinero lo que hará mi felicidad,
yo quiero morir con la mano en el corazón.
Vamos juntos a descubrir mi libertad,
olvidad pues todos vuestros cliché,
bienvenidos a mi realidad.

Estoy harta de buenos modales, ¡demasiado para mí!
Yo como con las manos, yo soy así.
Hablo alto y soy franca, perdonadme.
Basta de hipocresía, yo me aparto de ahí.
Estoy harta de palabras insinceras.
Miradme de todos modos.
Nada os reprocho y soy así.

Concha Buika, con Seal: 'You get me'

La cantante hispano-guineana Concha Buika prosigue, paso a paso, su marcha ascendente en el panorama musical, ahora con un salto de gigante al cantar junto a Seal, en una vertiente internacional. En 'You get me' las voces de ambos parecen hermanas gemelas, intercambiables, y el resultado de la suma es sobresaliente.

Silvia Pérez Cruz: voz, talento y versatilidad

Con sólo 28 años de edad Silvia Pérez Cruz es seguramente la cantante española con una trayectoria más extensa, plural e interesante. Nacida en Gerona, hija de Cástor Pérez, figura crucial de la habanera en Cataluña -lo que casi quiere decir en el mundo-, la música habitó siempre su mundo desde el nacimiento. Estudió música desde niña y es licenciada por la ESMUC (Escuela Superior de Música de Cataluña), pero sin duda le debe más a su voz, a su talento natural, a su versatilidad y eclecticismo que a las aulas.

VEINTE AÑOS, con Cástor Pérez, su padre

Aumque la había oído cantar con 'Las Migas', cuarteto femenino del que era la voz desde 2004, nunca la había identificado por su nombre ni conocía su interesante trayectoria. Un post en el blog Pan con chocolate, que daba cuenta del disco grabado con el gran contrabajista Javier Colina, me puso sobre la pista. La grabación, en la que participan además Albert Sanz al piano y Marc Miralta a la batería, cuenta con la colaboración del magnfico saxofonista Perico Sambeat. Todo un lujo de disco.

ELLA Y YO, con Javier Colina

A lo largo de su intensa biografía artística ha actuado, grabado o colaborado en una infinidad de proyectos sin abandonar 'Las migas' hasta que tomó esa decisión hace apenas unos días. Del flamenco al jazz, pasando por la copla española y la canción catalana, Silvia Pérez Cruz ha sido llamada a colaborar por muchos de los artistas que, sorprendidos y encantados, la han escuchado y han pensado que su talento y su voz añadirían un plus de calidad e interés a sus proyectos personales.

En los últimos tres años, como puede verse en la discografía correspondiente más abajo, Silvia se ha acercado especialmente al mundo del jazz y más concretamente a Javier Colina y su entorno, músicos excelentes y de mente abierta que superponen el concepto de 'música' al de 'estilo' o 'tendencia' y logran así personalizarse dentro de la maraña de etiquetas que sólo sirven para uso de críticos entomólogos y casas discográficas en decadencia (todas lo están, por cierto).

LOCA, con Ravid Goldschmidt tocando el hang

2008.- "We sing Bill Evans" con Joan Díaz Trio (Fresh Sound).

2009.- "Colina Serrano Project" con Javier Colina y Antonio Serrano.(Contrabaix-Universal-EmArcy). Canta el bolero "La mentira", que cierra el cd.

2910.- "Reinas del matute" con Las Migas (Nuevos Medios).

2010.- "Un sordo s'ho escoltava" con el grupo Xalupa (Temps Record).

2011.- "En la imaginación" con Javier Colina Trio (Nuba Records/Produccions Contrabaix)..

Ahora parece que la cantante estudia la puesta en pie de un proyecto estrictamente personal del que cabe esperar grandes cosas si se rodea de los apoyos e influencias convenientes, que no le faltarán. Aparte de los ya mencionados y de otros que harían la enumeración demasiado larga, ha colaborado con Toti Soler, Pancho Amat, Ravid Goldschmidt, Duquende, Chicuelo, Jerry González, Raül Fernandez (Refree), Jeannette, Rafaela Carrasco, Eliseo Parra, Joan Ollé o Sol Picó.

TANGOS DE LA REPOMPA, al frente de Las Migas

Silvia Pérez Cruz, perteneciente a la fecunda veta musical catalana, que ha producido en los últimos tiempos personalidades de la talla de Miguel Poveda o Mayte Martín, sin duda tiene mucha carrera por delante y, si camina en la dirección adecuada, esa carrera podría ser internacional. Madera le sobra. 

León Gieco, voz y memoria del pueblo

El cantautor argentino León Gieco, que cumplirá en noviembre sesenta años, se llama en realidad Raúl Alberto Antonio Gieco. El origen de su pseudónimo, 'León', no está muy claro. Mientras lo más frecuente es atribuirlo a una anécdota de sus comienzo musicales, cuando dejó sin alumbrado a todo un pueblo al preparar el sonido y fue calificado como "el rey de los animales", otros imaginan un secreto homenaje a León Trotsky. Nació en una pequeña localidad agrícola de la provincia de Santa Fe y el folklore argentino fue su primera referencia musical, a la que no tardó en sumarse la influencia anglosajona de los Beatles, Rolling Stones y en general del rock.

A los catorde años ya estaba en la música, participando en diversos grupos de variados estilos, y a los dieciocho se trasladó a Buenos Aires para probar fortuna en lo que ya se había convertido en su pasión. El camino fue largo, intenso y ocasionalmente duro, pero hoy Gieco es una de las figuras más conocidas y valoradas de la música argentina dentro y fuera de su país.

Al contrario que Dylan, que sin duda ha sido una importante referencia para él como cantautor, nunca ha vivido como contradicción dramática la coexistencia en su actividad y repertorio del folk argentino más genuino con la música rock ni la alternancia de lo acústico y lo eléctrico. Aunque es genéricamente calificado como un rockero argentino practica por igual ese genero que el folk rock o el folk sin apellidos. Las raíces son de gran importancia para él, en la medida en que siempre se ha identificado con el pueblo y sus problemas.

En Buenos Aires León Gieco entra en contacto casi de inmediato con dos personajes que serían claves en la música argentina: Litto Nebbia y Gustavo Santaolalla. Este último, coetáneo de León, le dio su apoyo desde el principio y ha colaborado con él a lo largo de toda su carrera. Santaolalla ha ganado dos Oscars por las bandas sonoras de 'Brokeback Mountain' (2005) y 'Babel' (2006). En 1973 produjo el primer disco de León Gieco como solista, una grabación independiente realizada durante dos años y que no puede calificarse como un éxito pero no pasó desapercibido. .


La memoria (1)

Su carrera empieza a funcionar, a tal punto que durante cierto tiempo compatibiliza su proyeccción como solista con su participación en un grupo que, integra, entre otros músicos, al mítico Charly García. Pero en 1976, cuando el éxito le sonreía abiertamente, llega el Proceso de Reorganización Nacional; cínico eufemismo con el que se autodenomina la dictadura militar. Su disco 'El fantasma de Canterville' es severamente censurado. No sólo tuvo que eliminar tres canciones, sino que se vio obligado a cambiar ciertos pasajes de la letra de otros seis temas. Pese a ello obtuvo el éxito y realizó conciertos no sólo en Argentina sino también en otros países sudamericanos. No obstante, la represión política se vuelve insoportable y Gieco se traslada a Los Angeles, donde edita el álbum que contiene su mayor éxito, la canción 'Sólo le pido a Dios'.

De regreso, en 1981, da un concierto en solitario en Buenos Aires, con sólo el apoyo de su guitarra, su armónica y ocasionalmente su charango. Aún quedan dos años de dictadura y Gieco, como otros muchos músicos argentinos (2) es prohibido en los medios y vigilado con especial cuidado, pese a lo cual no se exilia. Por el contrario, durante tres años, realizará una gira por todo el país, tocando y cantando con los artistas locales de todo tipo que iba encontrando. Tras 110.000 kilómetros recorridos surgirá 'De Usuhaia a La Quiaca' , un conjunto de cuatro discos en los que se decanta esa excepcional y apasionante experiencia.

Cuando llegue el alba (3)

Los encuentros y colaboraciones con otros artistas (4) y los viajes al extranjero se convierten a partir de entonces en un hábito. La gira iniciada en 1981 se prolonga, de hecho, un total de ocho años. Tras la caída de la cuarta y última Junta Militar, las revelaciones sobre los 'desaparecidos' y la cruel derrota en la guerra de las Malvinas, Argentina está en el corazón y en la mente de las gentes en todos los rincones del mundo y León Gieco es ,junto a Mercedes Sosa, el mejor embajador artístico del desventurado país.

León Gieco no ha sido nunca el típico 'solitario solidario', denominación que se adjudica a tantos artistas e intelectuales..Él es un solidario con todos y para todo. Su propia huella discográfica es testimonio de esa vocación de aproximación a los otros, ya sean artistas reconocidos o intérpretes populares, rockeros o folkloristas. Nacido en el pueblo, es y ha sido siempre del pueblo. No es un gran letrista ni un músico superdotado. Tiene la cultura del camino, de la vida, de los miles de lugares visitados en su vasto país y la capacidad para resumir, periodicamente, en textos sencillos y con armonías simples, los sentimientos, las esperanzas y las vivencias colectivas. Casi sólo por eso, por su proximidad y empatía, se ha ido haciendo grande, cada día más grande.

Para la vida




(1) Con 'La Memoria", en 2001, León Gieco acierta por segunda vez -tras 'Sólo le pido a Dios'- a escribir una sencilla canción con valor de himno, con significación permanente y universal. Ver la letra. Para los españoles este tema debería ser motivo de especial reflexión. 72 años después de la guerra civil persisten las dificultades para reivindicar el recuerdo y la dignidad de quienes fueron asesinados por sus convicciones, reales o supuestas.

(2) Julia Elena Dávalos, Horacio Guaraní, Nacha Guevara, César Isella, Litto Nebbia, Gian Franco Pagliaro, Piero, Ariel Ramírez, Mercedes Sosa y María Elena Walsh figuran.tmbién entre los prohibidos.


(3) León Gieco interpreta una canción que hizo popular el folklorista Jorge Cafrune. Zambas, baguales y chacarearas no tiene secretos para este 'rockero' que rinde tributo a las sólidas raíces del canto argentino.

(4):Pablo Milanés, Silvio Rodríguez, Joan Manuel Serrat, Chico Buarque, Mercedes Sosa, Bob Dylan, Peter Gabriel, Bruce Springsteen, Sting, David Byrne, Pete Seeger (que lo invitó a su gira en 1991), Fito Páez, Nito Mestre, Juan Carlos Baglietto, Sixto Palavecino, Charly García, Víctor Heredia....

Jacques Canetti, el padrino de 'la chanson' (y V)

Habría sido injusto cerrar esta serie sin proponer algún tema de los 'ahijados' de Jacques Canetti que no han tenido cabida en los posts anteriores. Especialmente los cuatro pirmeros que aquí se reproducen tuvieron un papel destacado en la edad de oro de la 'chanson'. Algunos de los citados en los diversos capítulos de esta serie ya habían sido objeto de atención en 'Toda esa música', otros lo serán en el futuro.

Serge Reggiani - Votre fille a vingt ans



Claude Nougaro - Paris Mai



Mouloudji - Tout fout le camp



Anne Sylvestre - Les gens qui doutent



Michel Simon - L'herbe tendre (con Serge Gainsbourg, autor de la canción)



Boby Lapointe - Le tube de toilette

Jacques Canetti, el padrino de 'la chanson' (IV)

Cuando, en 1963, Jacques Canetti inicia su carrera como productor independiente tiene ya 54 años, de los cuales 34 los ha dedicado infatigablemente a su pasión por la música. Otro en su lugar estaría cansado, además de desencantado por el signo de los nuevos tiempos, pero él es, por naturaleza, un entusiasta, un creyente apasionado en el principio –cada vez más discutible- de que la calidad se impone tarde o temprano.

El trabajo de un productor discográfico independiente estaba entonces aún por inventar, pero el tenía su infalible olfato, su conocimiento profundo del medio y los contactos necesarios para salir adelante. En la medida en que todos sus 'descubrimientos' precedentes tenían ya contratos con casas discográficas él debe seguir su búsqueda de talentos. Y ya no es tan fácil. No sólo están cambiando los gustos del público (cada día más mayoritariamente integrado por los jóvenes del 'baby boom' de la posguerra), sino que los nuevos creadores francófonos se mimetizan también con la onda anglosajona.

Adamo o Michel Polnareff tienen un incuestionable talento, pero lo que escriben ya en nada se parece, ni en la forma ni en el fondo, a aquella simbiosis mágica entre el music hall y la 'cave' existencialista que había dado a luz a una generación asombrosa de cantautores. Ni el valor literario, ni el musical ni el ideológico de las canciones de los nuevos talentos logra conmover al hombre que había apadrinado la genialidad de Brel, Vian o Brassens, entre otros. Pese a ello, Canetti alcanza a descubrir y dar su primera oportunidad a dos artistas de genio, como Brigitte Fontaine o Jacques Higelin.

En su búsqueda afanosa descubre un filón casi inexplorado, el de los actores/actrices que cantan y cantan muy bien. Fichajes como el magistral Serge Reggiani o la ecléctica Jeanne Moreau constituyen un éxito muy importante. Y no son los únicos: Simone Signoret, Michel Simon o Pierre Brasseur son algunos de los nombres relevantes del cine y el teatro francés que graban para 'Les productions Jacques Canetti'.
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Jacques Canetti murió en 1997, a los 88 años de edad, pero sus hijos, Françoise y Bernard, que la venían apoyando en los últimos años, recogeron la antorcha. Hoy 'Les productions Jacques Canetti' sigue siendo un ente vivo y su catálogo constituye no sólo una elocuente referencia de la fecunda actividad de su fundador sino también una tentación para los amantes de la 'chanson', dado que atesora grabaciones 'históricas' descatalogadas y recoplilaciones de poemas musicados de Prévert, Eluard y otros poetas.

Por alguna razón, Francia, tan halagüeña con las figuras de la cultura propia y ajena y tan generosa con su 'Legion de honor', no ha reconocido nunca a este hombre su contriibución decisiva a crear un momento histórico único para la canción francesa. Tal vez ello se deba a la discreción y la modestia que caracterizaron siempre a Canetti, que prefería quedar en segundo plano. Ciertamente ´él no fue el creador del talento que poseían aquellos a los que apoyó, pero muchos de ellos no habrían podido evidenciarlo ni madurarlo sin su ayuda. Canetti apadrinó a una promoción de ACI (Autores Compositores Intérpretes) excepcional porque fue el primero en reconocer la excepcionalidad de cada uno. Figuras como la suya son impagables. Todos los países necesitarían su Canetti.

Continuará.

Nota: Lo que publicaré mañana será, básicamente, un apéndice en el que intentaré dar su sitio a algunos de los 'ahijados' de Canetti cuyas creaciones no he podido incluir hasta ahora por falta de espacio.

Jacques Canetti, el padrino de 'la chanson' (III)

Lo que se puede considerar la 'edad de oro' de Jacques Canetti, que coincide casi exactamente con la de la canción de autor francófona, se extiende entre 1948 y 1962. En ese periodo pasan por su pequeño teatro 'Les trois baudets' las principales figuras, cuya nómina esencial he enumerado al `principio de la primera entrega de esta serie, Esa exposición pública les depara a todos ellos contratos discográficos, presencia en las emisoras de radio y finalmente las bendiciones de los grandes templos del espectáculo, como el Olympia y el Bobino.

Para Canetti, la promoción de los ACI es una prioridad a la que se entrega con un enorme entusiasmo, convencido de la necesidad de dignificar y llenar de contenido un género anquilosado y banal, El éxito acompaña casi todas sus empresas, sus 'descubrimientos' se consagran y muchos de ellos vuelan alto con sus propias alas, a favor del viento nacido en un pequeño teatro de Pigalle, pero la actividad como productor, promotor y agente de Canetti no cesa. 'Les trois baudets' da apoyo al surgimiento de una nueva generación de humoristas, como Pierre Dac, Francis Blanche, Robert Lamoureux, Fernand Raynaud, Darry Cowl, Raymond Devos, Philippe Noiret, Jean-Pierre Darras o Jean Yanne. Produce asimismo los primeros espectáculos de Yves Robert, Raymond Queneau, Pierre Daninos y Francois Billetdoux.

Figuras ya consagradas sin su ayuda actúan en 'Les trois baudets', como Juliette Gréco, Catherine Sauvage, Isabelle Aubret, Philippe Clay, o los Frères Jacques, en un claro reconocimiento a la importancia alcanzada por la iniciativa de Canetti. Éste, mientras tanto, hace girar por toda Francia a 'sus' artistas, lo que, en el caso de Brel, consigue que éste saque de dentro al formidable intérprete, intenso y gestual, que hará rugir de admiración al público. No conforme con eso se traslada a Estados Unidos y Japón con figuras como Yves Montand y Maurice Chevalier, a cuyo éxito en esos países contribuye de modo decisivo.

Los tiempos, sin embargo, están cambiando cuando se inicia la década de los 60 y Canetti, que se ha mudado de Polydor a Philips, se declara incompatible con el nuevo rumbo en 1962. El marketing sustituye a los criterios artísticos en los planteamientos de las discográficas, que, de la mano de una incipiente sociedad de consumo, declara a los jóvenes como objetivo. El éxito espectacular de Françoise Hardy, a sus 17 años, con 'Tous les garçons et les filles' es el pistoletazo de salida. Se imita hasta el ridículo el sistema 'teenager Idol' del otro lado del Atlántico y hacen su aparición toda una cohorte de chicos y chicas jóvenes, superficiales, dispuestos a aceptar todo lo que le proponga un montón de advenedizos en la industria discográfica que creen -y en algunos casos con razón- que un 'superventas' se fabrica, como un detergente o una pasta para sopa.

Nace así 'Les Productions Jacques Canetti', primer ejemplo de la producción discográfica independiente. Para Canetti la música no es un negocio, sino una pasión; la canción no es un producto, sino una pequeña obra de arte y los intérpretes son tanto mejores y más interesantes cuanto sean los autores de sus propias canciones. Para sostener esto no necesita otras evidencias que las que proporciona el fenómeno ye-yé, muchos de cuyos representantes dan muy bien en las fotos a todo color de 'Salut les copains' pero no dan la talla ante el micrófono.

Continuará.

Ovidi Montllor: 'La fera ferotge'

Me entero a través del amigo Miquel Pujadó, cantautor catalán y toda una autoridad en el tema de la canción de autor (autor del 'Diccionari de la Cançó') que el 4 de julio el Teatro Romea de Barcelona será escenario de un homenaje a Ovidi Montllor, cantautor y actor poco y mal conocido fuera de Cataluña y la Comunidad Valenciana, que se merece este tributo y muchos más. 

'La fera ferotge' (la fiera feroz) es una irónica parábola política sobre las alarmas infundadas y exageradas por las que tanta inclinación tiene el poder. En este caso la 'fiera' sólo quería hablar con el alcalde para que le dieran una jaula más grande y mejor alimentación, lo cual no impidió que finalmente le dieran con todo y la volvieran a encerrar en su exigua jaula.

Jacqueline François: 'Mon oncle'

El tema musical del film 'Mon oncle' ('Mi tío'), de Jacques Tati, logró mucha más popularidad, con una letra y la interpretación de Jacqueline François, que el exclusivamente instrumental de la película y que la propia película en sí - genial, sin embargo - en la que el director rendía homenaje al cine mudo, al cine puro. La elaboración de la serie sobre Jacques Canetti me ha dado la oportunidad de 'redescubrir' a esta cantante que, de la mano del empresario, se convirtió en una gran figura de la canción francesa que actuó por todo el mundo. El autor de la música, Frank (François) Barcellini, un desconocido, dejó de serlo.

 

Adriana Varela: 'Garganta con arena'

Adriana Varela empezó tarde (a los 38 años) pero golpeó fuerte con su voz singular y su estilo personalísimo, inconfundibles ambos. Con esta canción de Cacho Castaño rinde tributo a su descubridor, el mítico Roberto 'Polaco' Goyeneche, la voz por excelencia del tango, sucesor aventajado de Gardel.

Jacques Canetti, el padrino de 'la chanson' (II)

La segunda guerra mundial sorprende a Jacques Canetti en París, donde es director artístico de Polydor, discográfica para la que, en 1933, había logrado que Marlene Dietrich -famosísima entonces, tras el éxito de 'El ángel azul'- grabase sus dos primeras canciones en francés (Polydor era filial de Deutsche Grammophon). La ocupación alemana, con la implantación de las leyes antijudías, fuerza a Canetti a trasladarse a la zona 'libre' (1), ayudado por la actriz Françoise Rosay.

En Toulouse encuentra a sus amigos Pierre Dac (humorista y actor) y Raymond Souplex (actor y cantante), entre otros, con los que decide organizar una cooperativa para montar espectáculos bajo las siglas ACPA (Artistes Chansonniers Parisiens Associés). Más tarde acompaña a la Rosay en una gira por Argelia y Túnez y a continuación realiza un extenso periplo por el norte de Africa con el fin de recaudar fondos para la red de resistencia 'Combat'. En Argel, la Opéra de Quatre Sous (Ópera de cuatro cvuartos), rebautizada Théâtre des Trois Ânes (Teatro de los Tres Asnos), llama a Canetti y el éxito es inmediato, convirtiéndose el teatro en una especie de institución local.

Terminada la guerra, de vuelta en París y en su trabajo en Polydor, Canetti descubre un buen día, en Pigalle, un local de baile semirruinoso y decide convertirlo en teatro, pequeño (250 plazas) pero suficiente para crear el gran banco de pruebas de la canción de autor francófona. En homenaje a su experiencia argelina lo bautiza 'Theatre des trois baudets' (Teatro de los tres burros') y llama a sus amigos de Argel para que lo inauguren (2). Su capacidad de convocatoria es prácticamente nula y la prensa se desentiende de la nueva sala. Tendrán que pasar cuatro largos meses para que los tres burros alcen el vuelo, en marzo de 1948.

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Artistas como Henri Salvador o Jacqueline François son responsables del incio del éxito, pero también es decisiva la participación, por primera vez, de dos ACI (autores compositores intérpretes), Jean-Roger Caussimon y Francis Lemarque. Para el teatro de Canetti termina la era de los 'chansonniers' y se inicia la de los cantautores, para quienes 'Les trois baudets' se convertirá en catalizador, pista de pruebas y lugar de encuentro. Las tertulias en 'Le chat noir', un establecimiento cercano, reunirán con el tiempo a la flor y nata de los ACI, con Boris Vian, Georges Brassens y Jacques Brel como grandes referencias y punto de atracción. De su 'troupe' de cantautores dijo Canetti: "no todos tenían voces particularmente bellas y ricas, pero todos decían bien lo que tenían que decir".

Mientras tanto, en Polydor, como director artístico llevaba incansablemente adelante una tarea que en una década permitiría a la discográfica exhibir en su catálogo el muestrario más prestigioso de artistas. Allí conoce a Aznavour, que en sus comienzos formó un duo muy eficaz e inseparable con el pianista Pierre Roche. También allí escucha las canciones de éxito que Louis (Loulou) Gasté compone para la que será su esposa, Line Renaud, de la que se convirtió en Pygmalión desde que ella tenía 16 años. Casi toda la nómina de la canción francesa pasó por las manos de Jacques Canetti, que también tuvo un papel decisivo en el descubrimiento de Michel Legrand.

Continuará.

(1) Entiéndase la parte de Francia 'entregada' al Gobierno de Vichy tras el armisticio firmado por el gfeneral Petain.

(2) El local estuvo hasta 1967 en manos de Canetti y posteriormente fue un sex shop y un cabaret erótico, acorde con el carácter que se atribuye a Pigalle, pero en 2009 reabrió sus puertas como teatro (cuenta también con dos bares y un restaurante), con apoyo de la Alcaldía de París y otros 'sponsors'. Por su sala Jacques Canetti pasan en la actualidad nuevos artistas de la música y la escena, como entonces.

Jacques Canetti, el padrino de 'la chanson' (I)

Cuando se repasa la biografía de las figuras más interesantes e importantes de la música francesa de los años 50 y 60 -en los que 'la chanson' brilló en todo su esplendor- de modo inevitable se encuentra una referencia crucial, un hombre llamado Jacques Canetti. Él convenció a Georges Brassens, que sólo pretendía ser un compositor de canciones, de que cantase sus creaciones; él logró que Jacques Brel abandonase Bruselas y la gris seguridad del negocio de cartonería familiar para iniciar en París su extraordinaria aventura.

Jacques Brel ~ Quand on n'a que l'amour por FairPlayOnly

Jacques Canetti no sólo tenía un olfato extraordinario para detectar el talento allí donde se encontraba, incluso semioculto bajo la timidez y la autocrítica de sus portadores, sino que poseía la fe, el entusiasmo y la tenacidad necesarias para convertir sus corazonadas en evidencias incontestables, subrayadas generalmente por el éxito popular. Esa es la razón por la que constituye una figura ineludible a la hora de hablar del mejor momento histórico del que llegaría a ser un género de culto en todo el mundo: la Chanson, que, entre lo popular y lo literario, mostró que la canción popular no tiene por qué ser necesariamente estúpida y/o frívola.

Jacques era el hermano pequeño del escritor Elias Canetti, ganador del Nobel de Literatura de 1981. Como él, junto a su madre, vivió el extrañamiento de su Bulgaria natal para trasladarse sucesivamente a Austria, Suiza, Alemania, Gran Bretaña y Francia tras la muerte del padre, comerciante acomodado de origen sefardí (1).

Su pasión era la música y la primera manifestación de esa inclinación fue el jazz. Con apenas 20 años ya organiza giras de 'jazz hot' (2) por las ciudades universitarias y poco después es el primero en hacer actuar en Francia a figuras de la talla de Louis Armstrong, Duke Ellington o Cab Calloway.

Cuando en 1935, de regreso de un viaje a Alemania, el publicista Marcel Bleustein-Blanchet, por igual seducido e inquieto ante el rumbo que la radio ha tomado en el país gobernado por Adolf Hitler, decide crear Radio Cité nombra a Canetti director artístico. El nuevo concepto radiofónico, que incluye por primera vez en Francia un informativo diario, encuentra en las iniciativas de Canetti su necesario contrapeso de entretenimiento, especialmente a través de un programa-concurso de intérpretes de canciones que concentra la atención de la audiencia.

En Radio Cité, de la mano de su director artístico, lograrán al conocimiento y el reconocimiento popular dos figuras de la talla de Edith Piaf y del autor, compositor e intérprete (ACI) Charles Trenet. La Chanson despegaba.

En 1967, alcanzada la cima del éxito, Jacques Brel expresó su agradecimiento a Canetti, que le había apoyado sin desmayo durante sus primeros tres duros años de inicio en París de este modo: irónico: «Usted ha tenido el mérito de sacarme de mi agujero, pero, en suma, usted me ha dicho lo que era probablemente evidente y, como usrted era Canetti, eso me ha dado el impulso necesario para hacer lo que yo tenía ganas de hacer en mi fuero interno. ¡Es usted quien debe decirme gracias! Yo he hecho honor a su reputación de descubridor"

Aparte de los ya citados, la nómina de los descubiertos por Elías Canetti es tan extensa como brillante: Guy Béart, Serge Gainsbourg, Boris Vian, Francis Lemarque, Félix Leclerc, Mouloudji, Boby Lapointe, Anne Sylvestre, Maurice Fanon, Leny Escudero, Claude Nougaro, Jacques Higelin, Henri Salvador, Brigitte Fontaine, Serge Reggiani...

Continuará.

Pie de foto: Conjunción de talentos en casa de Canetti en 1970: De izquierda a derecha, Georges Brassens, Jacques Brel, el escritor Jean-Pierre Chabrol y Guy Beart.

Nota: Escribir sobre Jacques Canetti era un viejo propósito, aplazado siempre hasta ahora por la extensión que imaginaba que habría de tener. Lo inicio hoy sin una previsión aproximada de la extensión que alcanzará, pues no sólo tratará de Canetti, sino también de los artistas -algunos poco conocidos en Españas- que se beneficiaron de su labor entusiasta e incansable.

(1) La estirpe de los Canetti tiene su origen (y debe su apellido) en la judería de Cañete (Cuenca), población de la que Elías fue declarado Hijo Adoptivo.

(2) Jazz anterior a 1930

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Nilsson: 'Everybody's talking'

Nilsson, también conocido como Harry Nilsson en sus principios, fue un cantautor estadounidense, que tuvo especial éxito con esta canción incluida en el filme 'Midnight cowboy', pero no sólo. A los 22 años compuso un tema para Little Richard; a los 23 colaboró en tres canciones con Phil Spector y su talento no tardó en ser reconocido y admirado. Su carrera se truncó a los 53 años a causa de un ataque cardiaco.

Peter Gabriel: 'Big time'

No por casualidad esta canción inicia el filme 'Inside job', que pone al descubierto la génesis criminal de la crisis financiera que sacude el mundo desde hace casi tres años. En ella Peter Gabriel satiriza el espíritu y la codicia de quienes quieren ser más grandes y que todo lo suyo lo sea. "Más grande que la vida". Y que lo pagen los demás, por supuesto, comoestá sucediendo.

Los Módulos: 'Todo tiene su fin'

Hoy toca inmersión en la nostalgia. Eléctricos, pero no estridentes. Estupendos músicos, con una vena melódica y popular de buena ley. Los Módulos están entre las mejores muestras musicales de la década de los 60/70 en España. Luego serían barridos por una explosión de advenedizos forzados a aprender a tocar y cantar sobre la marcha, mientras cosechaban éxitos con un poderoso apoyo mediático. Lo llamaron 'la movida' y fue un "todo vale si tienes menos de 20 años". Malos tiempos para la lírica.

El vídeo corresponde a un 'revival' televisivo ocasional, protagonizado por Pepe Robles, líder del grupo original.

Lone Star Revisited: 'Layla'

Haciendo cierta la leyenda de que los viejos rockeros nunca mueren, el grupo Lone Star se ha reconstituido recientemente, casi cincuenta años después de su aparición, con base en dos de sus miembros históricos. Su proyecto se llama "Lone Star Revisited" y tienen grupo en Facebook.

Trini Lopez: 'If I had a hammer'

74 años cumple hoy Trinidad (Trini) López, cantante y guitarrista norteamericano nacido en Dallas (Texas). Llamó la atención en 1962 del productor Don Costa que lo vió actuando y 'latinizando' los éxitos del momento en un club de Hollywood. En su debut de 1963, Trini López incluyó una versión de 'If I had a hammer', escrita por Pete Seeger, que llegó al nº 1 en 36 países y del que se vendieron más de un millón de copias en EE UU.

Phil Ochs: 'I ain't marching anymore'

Phil Ochs fue en la segunda mitad de los 60, con Bob Dylan pero más genuino que él, el ejemplo máximo de la joven canción de protesta estadounidense, pero, defraudado por todo y por todos, alcoholizado y víctima de un desorden bipolar, se suicidó a los 38 años. "Siempre es el viejo el que nos lleva a la guerra,/ siempre es el joven el que cae./ Mira ahora todo lo que hemos vencido con el sable y el fusil,/ dime si merece la pena todo eso", decía, entre otras cosas, en esta canción.

Mia Martini: 'Gli uomini non cambiano'

La especialísima voz de Mia Martini la convirtió en una cantante de éxito en Italia y fuera de ella, especialmente merced al apoyo que recibió de excelentes compositores y cantautores, encantados de que interpretase sus obras. Su muerte prematura en 1995, a los 47 años, nos privó a nosotros de una magnífica artista y a ella de una carrera que aún tenía muchas posiblidades de crecer.

'Booktrailer' de "Un fracaso ineludible y otros relatos"

He continuado con la promoción de mi libro 'Un fracaso ineludible y otros relatos', razón por la cual he incumplido mi promesa de reactivar las publicaciones en este blog. Pido perdón por ello. En cuanto me sea posible volveré.

Mi útima iniciativa relacionada con el libro es la realización de este breve clip promocional (en la jerga editorial lo llaman 'booktrailer') que no carece de interés musical. Al inicio se utiliza un fragmento del prólogo de 'West side story' y lo que suena a continuación es un breve pero trepidante tema de John Zorn: 'Trash jazz assassin'.

El libro, al menos en teoría, está a la venta en toda España. Si no lo encontráis en vuestra librería habitual siempre podéis pedir que os lo traigan..

Daniel Lanois: 'Marie Claire'

El quebequés Daniel Lanois es muy famoso y casi mítico como productor discográfico, señaladamente de U2, con los que ha trabajado en gran parte de sus discos, pero tambien de Bob Dylan, Peter Gabriel, Neil Young, o Nick Cave, entre otros muchos. Como cantante y compositor no desdeña dar vida en directo a las canciones de sus discos. En este caso se trata de un tema de corte folkie, cantado en francés e inglés.

A los 60 años ha fallecido la cantautora estadounidense Phoebe Snow, autora de 'Poetry man', un gran éxito en 1975. Poco después de ese hit tuvo una hija que nació con graves daños cerebrales, a la que cuidó personalmente hasta su muerte en 2007, con 31 años. Ese sacrificio fue en gran medida la causa de que la cantante no llegase a las cimas de éxito que se le auguraban por su extraordinaria voz y su estilo bluesy.

Little Jack Melody: 'Out of the woods'

Little Jack Melody, apodo por el que conoce a este cantante y compositor texano, es un entusiasta del cabaret europeo y de los 'crooners' americanos, entre otras rarezas ajenas al gusto popular predominante. Siempre he pensado que en Europa su destino habría sido diferente y no cantaría "... Podría haber sido como Johnnie Ray,/ podría haber sido una estrella así,/ ahora estoy llorando otro blues./ Cerca, pero sin premio..."

LJM asigue haciendo 'bolos' con sus 'Young Turks' siempre que puede, pero cuando se trata de comer de la música se limita a tocar el contrabajo con el 'Brave Combo', ecléctica y marchosa banda que ha ganado dos Grammy y ha estado nominada en siete ocasiones a dicho premio. Podría haber sido peor.

 

 

Raul Midon: 'State of mind'

Raúl Midón, nacido en Nuevo México, de ascendencia argentina y africana, es el 'one man show' más brillante de nuestros días. Cantante, compositor y guitarrista, con una componente rítmica y percusiva única en su manejo del instrumento, es ciego desde su infancia, lo que no le ha impedido ir de gira -como miembro del coro- con Shakira, entre otras 'estrellas', hasta que se independizó. Escuchad su alucinante 'trompeta' en su tema 'State of mind'

La cantautora uruguaya Ana Prada, radicada en Argetina, está casi recién llegada al panorama musical, pero todos son buenos augurios para su carrera, para la que cuenta, de entrada, con algo muy importante y que no se puede falsificar ni fingir: personalidad. El vídeo, además, con ese cuerpo de baile integrado por monjas con escopetas, es divertido.

Jacques Brel: 'Ces gens là'

Uno de los inolvidables 'tours de force' del inmortal Jacques Brel en escena. En 'Ces gens là' el cantautor belga caricaturiza una vez más a la burguesía mediante la cruel composición de un retablo patético y la demoledora deconstrucción de una familia lamentable que lo protagoniza. Nadie se salva del escalpelo. Nadie salvo la "bella Frida", a la que el enamorado protagonista quiere rescatar. Ella le promete huir con él, pero... "esa gente nunca se va, señor, nunca se va."

Richard Bona: 'Dina lam'

El camerunés Richard Bona es un músico, cantante y compositor extraordinario, especialmente brillante como contrabajista. instrumento al que ha abierto nuevas puertas expresivas, liberándolo de su casi exclusiva servidumbre rítmica con su peculiar forma de tocar. El vídeo corresponde a su actuación en el festival de Vitoria de 2005 y la bellísima canción 'Dina lam' está dedicada a su madre.
 

Félix Leclerc: 'L'Hymne au printemps'

Un tema muy adecuado para la fecha. El quebequense (o quebequés, a saber) Félix Leclerc (1914-1988) es una de las figuras señeras de la canción de autor en francés, con influencia duradera a ambos lados del Atlántico. Así concluye su himno primaveral, lleno de referencias a la naturaleza: "Cerca del arroyo se alinean las hadas/ y los sapos cantan a la libertad".

Cliff Richard and The Shadows, reyes del rock europeo

Cliff Richard&The Shadows fueron una fórmula de éxito seguro desde 1958 hasta 1963, momento en que la irrupción de los Beatles lo puso todo patas arriba. Afortunadamente para el solista y su grupo ambos habían tenido ya gran éxito en solitario y especialmente Cliff era una figura incuestionable del pop británico. Nuevo look, con el pelo a lo Beatle, y a seguir triunfando con un repertorio renovado.



Buena parte de los éxitos iniciales del solista y su combo lo constituyeron canciones que habían sido ya éxito en Estados Unidos, mercado en el que la discográfica de ambos no luchó lo suficiente para que lograsen penetrar y que los Beatles invadirían no mucho más tarde con el apoyo incondicional de los ''babyboomers'.



The Shadows obtuvieron con 'Apache' uno de los mayores éxitos de la música pop instrumental y seguramente el mayor de una pieza protagonizada por la guitarra eléctrica, instrumento controvertido en sus inicios que sin embargo - así se demostró - había llegado no sólo para quedarse sino también para reinar. The Shadows fueron parte fundamental del 'milagro'.
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Carl Perkins: 'Your true love'

Carl Perkins, el padre del rockabilly (el lado más blanco del rock'n'roll), fue uno de los pìoneros de la factoría Sun Records de Sam Phillips (con Elvis Presley, como punta de lanza). Su mayor éxito, 'Blue suede shoes', un ejemplo perfecto de letra banal y música arrolladora, llegó a multiplicarse al ser versionado por 'el rey'. Su carrera, pese a tener grandes temas en su repertorio, se estancó hasta que los Beatles reivindicaran su gran influencia.

Un libro, la causa de mi ausencia

Pido perdón a los seguidores de este blog, que ha estado paralizado durante once meses. La causa principal de mi ausencia ha sido la elaboración de un libro de relatos de algo más de 200 páginas, cuya redacción concluí el pasado mes de diciembre, y que estará en las librerías españolas a partir de finales de este mes o principios de marzo. Su título, "Un fracaso ineludible y otros relatos" , editado por 'El Desvelo Ediciones'..

Mis comentarios sobre música no han cesado durante este tiempo, pero se han desviado a  Facebook -mucho más breves, necesariamente- con un criterio más ecléctico que el que se aplica aquí. No obstante algunos de los temas allí tratados lo serán aquí próximamente con mayor profundidad y extensión.

Muchas gracias por vuestro apoyo e interés. Durante mi prolongada ausencia el blog ha visto aumentar las visitas gracias a las búsquedas, dado que Google sitúa algunas referencias de este blog entre los primeros resultados que devuelve al usuario. Eso ha sido y es muy alentador para mí.

Alain Barrière: 'Elle était si jolie'

Hubo un tiempo en el que el hoy devaluado  e incluso denostado Festival de Eurovisión no era el horror en que llegó a convertirse. Esta canción quedó en quinto lugar en 1963, quizás porque Francia - a la que Alain Barrière representaba - se había negado a organizar el festival, como lo correspondía, por razones económicas. La defensa que el intérprete de 'Ma vie' hizo de 'Elle était si jolie' logró, pese a todo, que su canción se oyese mucho en las emisoras europeas. Más que la ganadora, 'Dansevise', representante de Dinamarca, que no era precisamente un tema insignificante, con un toque entre jazz y folk.

Atahualpa Yupanqui: 'Trabajo quiero, trabajo'

"Trabajo quiero, trabajo/ porque esto no puede ser./ No quiero que 'naide' pase/ las penas que yo pasé". Torturado y encarcelado por Perón, Atahualpa Yupangui (Héctor Chavero) grabó en Francia, en 1950, un disco que incluía este tema y que obtuvo el premio de la Academia Charles Cros. El disco fue registrado por 'Le Chant du monde', precursora de lo que hoy se llama 'world music', que le llevó a él y a otros muchos a la atención internacional. Folklore y conciencia aunados, A. Y. fue un émulo de Pete Seeger en una tierra de indios olvidados y de trabajadores sobrexplotados y sufrió la persecución de un líder parternalista que dejó intacta la Argentina que dijo querer salvar.

Edith Piaf: 'L'Hymne à l'amour'

"El cielo azul puede desplomarse sobre nosotros,/ y la tierra puede también hundirse./ Poco me importa si tú me amas,/ Me da igual el mundo entero./ Mientras el amor inunde mis mañanas..." La canción que Piaf dedicó a su amante, el boxeador Marcel Cerdan, sigue viva y emociona a los franceses, ahora a través de otras voces, como - sorprendentemente - la del 'rockero' Johnny Halliday.